FLATUS VOCIS: The Ephemeral in the Permanence 2021
Drawing + Augmented Reality
Drawing Ink + Watercolor pencil
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Drawing + Augmented reality
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Drawing Ink + watercolor pencil
6 ft |
Drawing + Augmented reality drawing animation + image 3d
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Drawing Ink + watercolor pencil
6 ft |
Drawing + Augmented reality image 3d + drawing animation
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Drawing Ink + watercolor pencil
6ft |
Drawing + Augmented reality video + photography
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Drawing Ink+ watercolor pencil
6ft |
Drawing + Augmented reality video
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“This project is aimed at expanding two-dimensional graphic statements into dialogues with three-dimensional. Through the use of a digital device (smartphone), viewers can activate the time factor and sensitive, perceptive qualities of drawing with augmented reality. “The project consists of producing a series of drawings where the digital device serves as a facilitator for a dynamic close-up between the two-dimensional artwork and the sensory-space created through a screen. “This project will present a series of drawings (permanence) where the viewer, if they wish, can activate the time factor using their smartphone digital device (ephemeral). Using augmented reality, this action, will temporarily convert two-dimensional representations into sculptural interpretations of paintings and still lifes that represent scenographies. “The title Flatus vocis (“words empty of meaning”) connects both realities — the ephemeral and the permanence; the two-dimensional images will seek to represent the “disorder,” the “abandonment,” the “nothingness,” which — in Henri Bergson’s words — designate, rather, an order that does not interest us; it is our disappointment that is expressed when we call that presence, absence. Thus, our life passes filling “voids” that our intelligence conceives under the influence of desire and memory. The smartphone as an object, in this context, represents part of the problem for me. “I am not interested in whether the viewer understands this relationship of the object with the live scenographies, but there will be those who reflect on how loss, absence, and disorder are linked to this ephemeral object. “As a theoretical framework, I start with the concept of digital ontofania, proposed by the French philosopher Stéphane Vial, to study the phenomenon of “perceptual digital technology” that we are experiencing in this “Digital Era.” “A technical revolution corresponds epistemologically to a systematic revolution and a change in relation to the renewal of the structures of perception. The contemporary world is the result of a digital-type phenomenotechnique (a Gaston Bachelard concept) where techniques shape our perception and our ability to be in the world. “The daily addiction that we have suffered in recent years in relation to digital interfaces presents us with new paradigms and concepts to be able to describe and understand the philosophical complexity of the digital phenomenon and therefore, become more deeply aware of the real meaning that we experience with the digital interfaces. By using, precisely, this digital interface —smartphone — to give life to the spatio-temporal staging of the drawings, I am revealing in a literal way, the cause of these losses, absences, and empty words in modern times.” — Karina Alvarez
View the art work using Augmented Reality on the images below, DOWNLOAD THE ARTIVIVE APP on your smartphone or tablet and hold the device up the images on your computer screen to activate the work.
View the art work using Augmented Reality on the images below, DOWNLOAD THE ARTIVIVE APP on your smartphone or tablet and hold the device up the images on your computer screen to activate the work.
Title: Cosmo
Technique: Drawing / augmented reality, Wood support
Year: 2020
Technique: Drawing / augmented reality, Wood support
Year: 2020
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Future for nature INTERNATIONAL MEDALLIC PROJECT 2020
The 12th edition of international medallic project called Future for nature is a continuation of previous international projects titled „Borders” in 2019, „Faith” in 2018, „Identity” in 2017,... It was addressed to fine arts universities and colleges all over the world, where the contemporary medallic art is being taught and which were interested in taking part in the project. Finally 12 universities’ studios from 10 countries gathered to participate in it and these are from: Bulgaria, Croatia, Hungary, Japan, Spain, Mexico, Lithuania, Latvia, Portugal, Poland and a group of artists: Mashiko group Medialia ... Rack and Hamper Gallery, USA.
The project coordinators of this year’s edition are Assistant Professor Sebastian Mikołajczak from Faculty of Fine Arts, Nicolaus Copernicus University in Toruń, Poland and Assistant Professor Shinji Miyasaka from Faculty of Art and Design of the University of Tsukuba, Japan.
http://www.rzezba.umk.pl/?future-for-nature-international-medallic-project-2020,469
The 12th edition of international medallic project called Future for nature is a continuation of previous international projects titled „Borders” in 2019, „Faith” in 2018, „Identity” in 2017,... It was addressed to fine arts universities and colleges all over the world, where the contemporary medallic art is being taught and which were interested in taking part in the project. Finally 12 universities’ studios from 10 countries gathered to participate in it and these are from: Bulgaria, Croatia, Hungary, Japan, Spain, Mexico, Lithuania, Latvia, Portugal, Poland and a group of artists: Mashiko group Medialia ... Rack and Hamper Gallery, USA.
The project coordinators of this year’s edition are Assistant Professor Sebastian Mikołajczak from Faculty of Fine Arts, Nicolaus Copernicus University in Toruń, Poland and Assistant Professor Shinji Miyasaka from Faculty of Art and Design of the University of Tsukuba, Japan.
http://www.rzezba.umk.pl/?future-for-nature-international-medallic-project-2020,469
Ater Vulture / Argumento audiovisual / videomapping 04/2019
Commissioned art piece for Callejón del Ruido International Festival. Creation, ideas and technology. Edition 14, with the support of FONCA's Program Coinversiones (2019)
Pieza seleccionada y comisionada para el Festival Internacional Callejón del Ruido. Creación, ideas y tecnología. Edición 14, con apoyo del programa de Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales del FONCA. (2019)
Commissioned art piece for Callejón del Ruido International Festival. Creation, ideas and technology. Edition 14, with the support of FONCA's Program Coinversiones (2019)
Pieza seleccionada y comisionada para el Festival Internacional Callejón del Ruido. Creación, ideas y tecnología. Edición 14, con apoyo del programa de Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales del FONCA. (2019)
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Ater vulture inspired by Charles Baudelaire's poem Une charogne, conceived as a poetic space where the metaphor of our existence seeks a dialogue between repulsion and attraction, seduction and fear. The poetic space is a memento mori, where image and sound capture the abstract essence of giving up the stage of life.
Ater vulture está inspirada en el poema de Charles Baudelaire Une charogne, pensada como un espacio poético donde la metáfora de nuestra existencia busca un diálogo entre la repulsión y la atracción, la seducción y el temor.
El espacio poético es un memento mori, donde la imagen y el sonido captan la esencia abstracta de ceder el escenario de la vida.
El argumento está conformado por una serie de visuales y sonidos que dialogan en una escena paradójica, permitiendo al espectador sumergirse en un cuadro absurdo. Una realidad cotidiana, ordinaria, banal en la que no se pensaría como un objeto poético.
Ater vulture está inspirada en el poema de Charles Baudelaire Une charogne, pensada como un espacio poético donde la metáfora de nuestra existencia busca un diálogo entre la repulsión y la atracción, la seducción y el temor.
El espacio poético es un memento mori, donde la imagen y el sonido captan la esencia abstracta de ceder el escenario de la vida.
El argumento está conformado por una serie de visuales y sonidos que dialogan en una escena paradójica, permitiendo al espectador sumergirse en un cuadro absurdo. Una realidad cotidiana, ordinaria, banal en la que no se pensaría como un objeto poético.
Layers for the blend mode
video samples of the images blending
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Cāsus / Drawing for projection. Department of Art . The University of Memphis 2018
Proyecto comisionado por el Departamento de Arte de la Universidad de Memphis
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Cāsus / Drawing for projection
The visual dispositive is running from a microcontroller Raspberry Pi, programing with Processing
Instalación / ambiente generativo / videomapping
The visual dispositive is running from a microcontroller Raspberry Pi, programing with Processing
Instalación / ambiente generativo / videomapping
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Samples of visual effects
Crosstown Art Residence Memphis Fall 2018
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Open Studio Crosstown Art
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STRANGE FRUIT
Karina Alvarez / Carl Moore
Art/Race/Violence A Collaborative Response. Crosstown Arts. Memphis, TN, 2017
Karina Alvarez / Carl Moore
Art/Race/Violence A Collaborative Response. Crosstown Arts. Memphis, TN, 2017
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The recreation of historical facts is a way to relive those stories and find our place in them. To reference history to our context and artwork, it demands that historical facts be abstracted and simplified. This process makes the artwork at least as much about contemporary ideology and aesthetics as they are about historical re-creation.
The visual dispositive is running from a microcontroller programing with Processing that blends Carl’s images and animations. It’s a textural process of breaking down and recombining — like a dissection, creating generative environments that submerges the viewer in the historical facts, but also, because of its procedural nature (asynchronic), distills reality with very few elements in order to build narratives more complex that enrich the artwork and the perception of it. Blurred out faces, or part of cities that could be anywhere, gives us the possibility of addressing more universal concepts such as hatred and injustice against any human being.
The sound was created in an asynchronous way to make a transient flow with more freedom, looked for a poetic analogy with the graphic environment.The sound was synthesized on a platform of algorithmic composition. The method used is a synthesizer to create generative ambience using the SuperCollider software.
The visual dispositive is running from a microcontroller programing with Processing that blends Carl’s images and animations. It’s a textural process of breaking down and recombining — like a dissection, creating generative environments that submerges the viewer in the historical facts, but also, because of its procedural nature (asynchronic), distills reality with very few elements in order to build narratives more complex that enrich the artwork and the perception of it. Blurred out faces, or part of cities that could be anywhere, gives us the possibility of addressing more universal concepts such as hatred and injustice against any human being.
The sound was created in an asynchronous way to make a transient flow with more freedom, looked for a poetic analogy with the graphic environment.The sound was synthesized on a platform of algorithmic composition. The method used is a synthesizer to create generative ambience using the SuperCollider software.
Densitas Capilla del Arte, Puebla México 2016
Drawing + animation + generative environment SuperCollider + Processing
Grant Jovenes Creadores FONCA 2015/2016
Dibujo + animación + ambiente generativo SuperCollider + Processing
Proyecto realizado con la Beca Nacional Jovenes Creadores del FONCA
Drawing + animation + generative environment SuperCollider + Processing
Grant Jovenes Creadores FONCA 2015/2016
Dibujo + animación + ambiente generativo SuperCollider + Processing
Proyecto realizado con la Beca Nacional Jovenes Creadores del FONCA
El proyecto densĭtas da vida a una instalación que concierne al campo de la imagen, la creación sonora y la interactividad. Aproximándonos al paisaje como un constructor dinámico de posibilidades audiovisuales, desde los conceptos de densidad, ambiente generativo y el póthos -nostalgia del abandono-.
Conviviendo estos conceptos dan vida a un ambiente inmersivo que vive en una interfaz digital que facilita la interacción entre espectador, espacio y dispositivo técnico.
Densĭtas se presenta como una instalación que invade al espacio con paisajes asincrónicos generados por una interfaz que entrelaza diferentes animaciones digitales y las proyecta sobre pantallas holográficas. Logrando así la difracción y reflexión de las mismas.
El sonido también es alterado y mezclado de manera aleatoria por el mismo dispositivo, resultando un ambiente generativo inmersivo donde el espectador es transportado a una temporalidad suspendida.
Esto se ha logrado gracias a las nuevas tecnologías, donde todo puede ser simulado o reducido a un proceso digital gracias a técnicas de programación informática, es decir, algoritmos y lenguajes de la simulación -en el sentido técnico del término- ya que es el resultado de una manipulación -programable- de la información.
Apoyándome en este enfoque tecnológico se crearon estos universos, espacios poéticos de paisajes alterados que nos sumergen en escenas translúcidas; distorsión entre realidad y ficción.
Conviviendo estos conceptos dan vida a un ambiente inmersivo que vive en una interfaz digital que facilita la interacción entre espectador, espacio y dispositivo técnico.
Densĭtas se presenta como una instalación que invade al espacio con paisajes asincrónicos generados por una interfaz que entrelaza diferentes animaciones digitales y las proyecta sobre pantallas holográficas. Logrando así la difracción y reflexión de las mismas.
El sonido también es alterado y mezclado de manera aleatoria por el mismo dispositivo, resultando un ambiente generativo inmersivo donde el espectador es transportado a una temporalidad suspendida.
Esto se ha logrado gracias a las nuevas tecnologías, donde todo puede ser simulado o reducido a un proceso digital gracias a técnicas de programación informática, es decir, algoritmos y lenguajes de la simulación -en el sentido técnico del término- ya que es el resultado de una manipulación -programable- de la información.
Apoyándome en este enfoque tecnológico se crearon estos universos, espacios poéticos de paisajes alterados que nos sumergen en escenas translúcidas; distorsión entre realidad y ficción.
Muestra animaciones de la instalación
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Cínico Centro de Cultura Digital CDMX México 2014
Drawing + Sound Installation
Drawing + Sound Installation
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El proyecto multimedia "Cinico" nos propone con un lenguaje visual y sonoro explorar desde la idea del perro, - cínico como fue apodado el filósofo griego Diógenes-, la pérdida del rumbo, una suerte de tropismo poético, ese estado de incertidumbre donde uno puede llegar a perder las cualidades que te caracterizan para sacar tus instintos más primitivos.
El proyecto, partiendo de sonidos envolventes llevarán al espectador a fundirse en una atmosfera de tensión, penetrar en esta ausencia de dirección donde la imagen translucida evocara este abrumador estado interior .
El proyecto, partiendo de sonidos envolventes llevarán al espectador a fundirse en una atmosfera de tensión, penetrar en esta ausencia de dirección donde la imagen translucida evocara este abrumador estado interior .
Zanate de Luz Museo de Arte Contemporáneo Oaxaca México 2014
Karina Alvarez / Roberto Morales
Sound Installation
Karina Alvarez / Roberto Morales
Sound Installation
A finales de marzo, en el patio posterior del Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca (MACO) se inauguró la instalación sonora Zanate de luz. El uno-todo que estalla, obra realizada específicamente para este espacio y que inicia así el programa Le Stí Bi (Eco del viento), un ciclo de instalaciones que girarán en torno a la ciudad de Oaxaca. Los autores son Roberto Morales Manzanares y Karina Álvarez, quien además realizó esta pieza como parte de su tesis doctoral. Cada obra se expondrá durante dos meses.
La instalación consta de 100 pájaros de metal con alas de espejo colocados a distintas alturas bajo una malla de metal, juntos parecen una parvada robótica. Cada uno de loa zanates contiene una pequeña bocina que emite un sonido particular. No obstante, no se trata de una grabación repetida al infinito sino que está programada para generar distintas composiciones en todo momento. Lo que escuchamos simula el carácter aleatorio e impredecible de la naturaleza; hay un orden, pero no el que suponemos. Además de cantos de zanates modificados, los sonidos utilizados provienen de modelos físicos obtenidos de la radiación solar estimada para los meses de abril y mayo del 2014.
Zanate de luz propone restablecer esa continuidad perdida entre quien mira y la naturaleza. Nos recuerda que como todos los demás seres estamos insertos en una dinámica mucho más grande que nosotros mismos: el todo es el uno que estalla. Descontextualizando el hábitat de los zanates, extrayéndolos de su espacio natural para convertirlos en representación, la instalación rompe la estructura del pensamiento de quien observa.
Por Redacción Tierra Adentro y Nidia Rosales Moreno
La instalación consta de 100 pájaros de metal con alas de espejo colocados a distintas alturas bajo una malla de metal, juntos parecen una parvada robótica. Cada uno de loa zanates contiene una pequeña bocina que emite un sonido particular. No obstante, no se trata de una grabación repetida al infinito sino que está programada para generar distintas composiciones en todo momento. Lo que escuchamos simula el carácter aleatorio e impredecible de la naturaleza; hay un orden, pero no el que suponemos. Además de cantos de zanates modificados, los sonidos utilizados provienen de modelos físicos obtenidos de la radiación solar estimada para los meses de abril y mayo del 2014.
Zanate de luz propone restablecer esa continuidad perdida entre quien mira y la naturaleza. Nos recuerda que como todos los demás seres estamos insertos en una dinámica mucho más grande que nosotros mismos: el todo es el uno que estalla. Descontextualizando el hábitat de los zanates, extrayéndolos de su espacio natural para convertirlos en representación, la instalación rompe la estructura del pensamiento de quien observa.
Por Redacción Tierra Adentro y Nidia Rosales Moreno
SOPRO, trayecto suspendido Atelie Aberto. Campinas, Brasil 2012
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Karina Álvarez explora la relación entre el espacio geográfico y el estético. Una de sus instalaciones consiste en proyectar paisajes de La Rumorosa, una zona fronteriza de Baja California, sobre parabrisas suspendidos. Nos habla así de las fronteras, pero de aquellas establecidas entre el espectador y el paisaje, entre el cuerpo y el pensamiento. La rumorosa es una carretera que serpentea sobre desfiladeros y donde muchos viajeros han perdido la vida en accidentes, se dice que es la carretera más peligrosa de México. Karina trabaja sobre los límites en distintos niveles, incluso en términos filosóficos: entre el sujeto y el mundo hay un vacío.
Los sonidos viajan. Cuando miramos, iniciamos también un viaje que no termina al dormir. Quizás es ahí, en el sueño, donde la mente puede por fin liberarse y caer en sus infinitas espirales, en las brechas, tal vez, de lo que llamamos realidad. El ser viaja. Somos esa trayectoria inconclusa, un instante de luz, un segundo en el tiempo de la Tierra.
Por Redacción Tierra Adentro y Nidia Rosales Moreno
Terra 2012
